Sandeep Narayan viðtalið: „Ég vil að tónleikar mínir verði eins ósviknir og eins raunverulegir og mögulegt er“

Carnatic klassískur söngvari Sandeep Narayan trúir á nútímagildi, jafnvel meðan hann stundar íhaldssama list. Forvitinn að vita hver var stjörnutónlistarmaðurinn sem þjálfaði hann og mótaði sjónarmið hans í list og lífi? Lestu þetta grípandi samtal.

Carnatic klassískur söngvari Sandeep Narayan kemur fram á tónleikum. (Express ljósmynd: Ramanathan Iyer)

Að taka krakka úr skóla í Bandaríkjunum á uppvaxtarárum sínum og senda hann til Chennai til að læra Carnatic tónlist var frekar óhefðbundin hugmynd á tíunda áratugnum. Enginn hafði gert það áður, en Narayans í Los Angeles voru svo unnendur Carnatic tónlistar að þeir héldu að hæfileikaríkur sonur þeirra mætti ​​ekki missa af forskotinu sem krakkar á hans aldri nutu í Chennai.

Sonur þeirra var aðeins 11 ára gamall og var eðlilega hneigður til tónlistar því allt sem hann heyrði heima frá því hann var barn, var Carnatic tónlist. Hann hafði lært Carnatic tónlist síðan fjögurra ára gamall af móður sinni Shubha Narayan, sem sjálf var með þekktan tónlistarstam. En þegar ungi strákurinn varð of fjörugur, fannst foreldrum hans að hann ætti að læra formlega af öðrum sérfræðingi. Þeir spurðu flautumeistarann ​​N Ramani í Chennai, sem kenndi eldri bróður Sandeep flautu, hvort hann gæti hjálpað. Eftir töluverða umhugsun lagði Ramani til að drengurinn kæmi til Indlands og lærði af Calcutta KS Krishnamurthi, þekktum tónlistarfræðingi og eftirsóttum kennara æðstu flytjenda.

Fyrir Krishnamurti var beiðnin svolítið óvenjuleg vegna þess að hann hafði ekki kennt neinum NRI, hvað þá krakka, nema líklega þeim frá fjölskyldum sem höfðu flutt til Indlands til frambúðar. Hann reyndi það vegna Ramani, var hrifinn af snemma þjálfun drengsins og innsæi og leyfði honum að læra undir honum.

Drengurinn dvaldist á Indlandi í um 18 mánuði með móður sinni og gekkst undir mjög stranga þjálfun undir stjórn Krishnamurti sem var fyllt með námskeiðum, tónleikum og miskunnarlausri æfingu. Þegar hann fór aftur til Bandaríkjanna, hafði hann traustan grunn, miklu sterkari skyldleika við klassíska tónlist og djúpa löngun til að gera hana stóra í Carnatic tónlist. Hann hélt áfram að þjálfa undir Krishnamurthi í gegnum upptökur sínar og beina kennslustundir í Chennai í sumar- og vetrarfríi.

Lestu | Akkarai Sisters: „Carnatic tónlist er sjálfsprottin list, ekki eitthvað sem hægt er að æfa til fullkomnunar“

Því miður fyrir drenginn lést Krishnamurti á þremur árum og hann átti engan kennara af svipuðu gæðum eftir. En í þetta skiptið þurfti fjölskyldan ekki að leita að öðrum sérfræðingi því strákurinn, sem er núna á unglingsaldri, hafði þegar horft á nýjan sérfræðing, sem var þegar stjarna í sjálfu sér og eldri lærisveinn Krishnamurti . Drengurinn, sem enn er búsettur í Bandaríkjunum og fer tvisvar til Indlands, lærði af nýja sérfræðingnum sínum næstu 15 árin og er nú einn af fáum samtímatónlistarmönnum í samtímanum sem hafa tileinkað sér stíl sem er einstakur fyrir sinn eigin sérfræðing. Þjálfunin hjá nýja sérfræðingnum breytti lífinu og drengurinn flutti varanlega til Chennai árið 2006 að loknu grunnnámi. Hann er nú ein af fremstu stjörnum yngri kynslóðar Carnatic tónlistarmanna og fyrsta indverska-ameríska krakkann sem gerði Carnatic tónlist að ferli á Indlandi.

Þetta er saga Sandeep Narayan, flotta náunga Carnatic tónlistar sem er þekktur fyrir stíl sem er ríkur af klassík, tjáningu og spuna. Hann er söngvari í besta tíma í Sabhas í Chennai þar á meðal Madras tónlistarakademíunni og er eftirsóttur klassískur flytjandi í öðrum indverskum borgum líka. Hann er einnig einn af yngri kynslóð klassískra tónlistarmanna sem eru færir um að fara með listina til nýrrar kynslóðar og yfirheyra áhorfendur.

Sandeep, aðlaðandi með aðlaðandi rödd sem er sveigjanleg og fær um áreynslulaust að fara yfir áttundir og þekkt fyrir djúpa svipmikla stíl, er yndislegur flytjandi sem laðar að sér áhrifamikla smekkvísi klassískrar tónlistar frá öllum aldurshópum, bæði í Chennai og víðar. Hann er nokkuð fær í öllum þáttum klassísks söngs og stíll hans er ríkur í vel höggmyndum gamakas, brigas og aðlaðandi tónlistarhljóðum sem láta Carnatic tónlist höfða jafnvel til leikmanna. Hin eðlislæga sönglög hans, bæði í hægum og miklum hraða, gefur tónlistinni hans ákveðna skýrleika, jafnaðargeð og ánægjulega gangtegund. Vönduð klassísk tækni hans og upplýst útsetning fyrir annars konar tónlist og list gera spuna hans heillandi og sannfærandi, hvort sem það er í raga söng, neraval (spuna að syngja viðhald frá aðalsamsetningu), kalpanaswaras (sem söngvarinn stundar í hugmyndaríkur kynning á nótum raga) og síðast en ekki síst Raga Tanam Pallavi (RTP), sem viðmiðar tæknilega og skapandi fjölhæfni Carnatic söngvara.

Sandeep er margvíslegur svæðisbundinn og landslegur heiður. Hann hefur verið besti tónleikarinn í tónlistarakademíunni og hlotið marga titla eins og Ustad Bismillah Khan Yuva Puraskar frá Sangeet Natak Akademi í fyrra.

plöntur og dýr í regnskógi

Það sem gerir hann svolítið einstakt er líka sú staðreynd að hann er ekki íhaldssamur Carnatic söngvari í gamla stíl. Sennilega geturðu kallað hann samtímamann íhaldsmann, sem þýðir að hann trúir á samtímagildi, jafnvel þótt hann stundi íhaldssama list. Og tónlistarmenn eins og hann sýna fram á að jafnvel aldagömul list eins og Carnatic tónlist getur verið frekar samtímaleg og framsýn.

Forvitinn að vita hver var stjörnutónlistarmaðurinn sem þjálfaði hann og mótaði sjónarmið hans í list og lífi? Lestu þetta grípandi samtal.

Sandeep Narayan fær SNA Yuva Puraskar frá Manipur seðlabankastjóra Najma Heptullah árið 2019.

Leyfðu mér að byrja frá byrjun. Þú varst brautryðjandi sem fyrsta indversk-ameríska krakkinn sem kaus að stunda Carnatic tónlist sem feril á Indlandi. Hvernig gerðist það og hvað finnst þér þegar þú horfir til baka? Þurftir þú að gangast undir miklar breytingar á lífsstíl?

Á þessum tíma vissi ég sennilega ekki hvað ég átti að gera og þetta var svona tilraun sem að lokum virkaði. Ég vissi vissulega að ég vildi vera í Carnatic tónlist og það var aðeins hægt að gera í Chennai. Hvað varðar aðlögun lífsstíls, þá var ég ekki í vandræðum því tónlist var mikilvægari en allt annað: að læra tónlist, fara á tónleika og að lokum koma fram. Það voru markmiðin. Reyndar er ég ekki sammála fólki þegar það segir að lífskjör séu eitthvað minni hér, því það fer eftir því hvað þú ert að leita að og hver gildi þín eru. Ég get haldið því fram að lífskjör séu í raun betri hér. Þú færð margt sem gerir líf þitt hamingjusamara hér, auðveldara. Til dæmis, ef ég vil fá mér bolla af chai, þarf ég ekki að keyra til Starbucks, ég get gengið nokkra fet að hvaða te -kadai (búð) sem er! Ég á líka yndislega vini hérna. Satt að segja er ég nokkuð ánægður.

Var auðvelt að aðlagast indverskum sérfræðingi í tónlistarkerfi sem virðist nokkuð íhaldssamt jafnvel í dag?

Fyrsti sérfræðingur minn í Chennai, KSK Mama (KS Krishnamurti), var ekki mjög rétttrúnaður og við náðum mjög vel saman. Það var fyndið að það var þessi 11 ára krakki með mjög sterkan amerískan hreim sem vildi læra tónlist af eldri vidwan. Hann var svolítið efins, en eftir að hafa heyrt mig syngja var hann ánægður. Eftir fyrstu kennslustundina sagði hann mér að hann myndi byrja að kenna mér á æðra stigi því hann teldi mig hæfari en börn á mínum aldri. Eitthvað klikkaði örugglega á milli okkar.

Þú hafðir verið að koma til Indlands síðan 1996 til að læra undir Calcutta Krishnamurti og við fráfall þitt fluttist þú til annars sérfræðings og lærðir undir honum lengi þar til þú varðst alveg sjálfstæð. Getur þú lýst þróun þinni sem tónlistarmanni í Chennai?

KSK mamma hvatti mig til að kanna manodharma frekar snemma. Fram að þeim tíma hafði ég gert mjög litla spunatónlist eins og alapana, neraval, swaras o.fl.

Árið 1999, þegar hann lést, varð ég að læra af einhverjum öðrum og eina manneskjan sem ég hafði í huga var Sanjay Subrahmanyan. Ég þekkti hann jafnvel áður en ég fór til KSK Mama vegna þess að fjölskylda okkar hafði hitt hann á tónleikaferðalagi hans um Bandaríkin árið 1995. Ég var mikill aðdáandi hans þegar ég var krakki og hafði fylgst með honum trúarlega síðan 1996-97. Hvenær sem ég var í Chennai fór ég á tónleika hans og sat í fremstu röð. Hann var einnig að læra af KSK Mama ásamt öðrum þekktum listamönnum eins og Sudha Raghunathan og P Unnikrishnan, meðal annarra. Ég var virkilega stjörnumerktur og fannst líka að það væri flott að ég væri að læra af sama sérfræðingnum og Sanjay Subrahmanyan var líka að læra af.

Lestu | Áhorfendur koma til að njóta tónlistar, ekki til að sjá stærðfræðilega töframennsku þína: Neyveli Venkatesh

Svo þegar sérfræðingur minn var ekki lengur, spurði ég Sanjay hvort hann gæti kennt mér. Ég var alveg viss um val mitt, en hann var svolítið hikandi vegna þess að hann hugsaði eftir að hafa lært af KSK Mama, sem var mjög eldri og miklu eldri, að ég ætti að halda áfram með einhverjum af þeirri kynslóð. En fyrir mig passaði Sanjay fullkomlega. Ég náði svo vel saman við hann og foreldrum mínum líkaði það líka.

Hjá mér og Sanjay var þetta ekkert mál. Við ræddum áður um íþróttir, kvikmyndir, aðra tónlistarstíl o.s.frv.

Lærirðu enn af honum?

Ég lærði reglulega af honum til um það bil 2014-15. Smám saman urðu kennslustundir sjaldgæfari vegna aukinna ferðalaga og ferðatíma hans þegar annasamur. Hann vildi líka að ég lærði og stækkaði sjálfur. Ég er sjálfstæðari núna með nám mitt, en ég ráðfæri mig við hann varðandi allar tónlistarfyrirspurnir sem ég hef af og til. Til dæmis, fyrir tveimur árum sendi ég honum skilaboð ef ég gæti lært nokkur lög og hann skuldaði strax. Jafnvel í dag, ef ég hef eitthvað til að skýra í tónlist, fer ég til hans.

Eins og þú veist finnur fólk mikil áhrif Sanjay á tónlistina þína, þar á meðal nokkrar látbragði, hljóðhætti, sangathis osfrv.

Já, ég veit (hlær). En þeir sem fylgja Sanjay og tónlist minni hafa líka tekið eftir því hvernig og hvenær ég hef vikið frá stíl Sanjay Sir. Þeir sem hlusta í framhjáhlaupi og vita að ég er nemandi hans, munu að sjálfsögðu gera það samband og tjá sig um líkt, raunverulegt eða skynjað.

Hin áhrifin eru líka nálgun hans á tónleikana sjálfa. Það er ákveðin fagmennska sem hann býr yfir og það hefur nuddað mig líka sem ég er honum afar þakklátur fyrir. Hann ber virðingu fyrir öðrum listamönnum, samtökum og áhorfendum. Hann hefur sagt mér: Haldið aldrei að áhorfendur séu heimskir. Ekki taka þeim sem sjálfsögðum hlut. Það er eitt sem ég man alltaf og reyni að halda mig við á tónleikunum mínum. Einbeitingarstig hans og alvara er hrífandi: hann á þennan sal, allt rýmið, þegar hann er á tónleikum.

Það er betra að kalla söngvarann ​​Sandeep Narayan samtíma íhaldsmann, sem þýðir að hann trúir á samtímagildi, jafnvel meðan hann stundar það sem telst íhaldssamt list. (Express ljósmynd: Rajappane Raju)

Stíll Sanjay snýst mikið um nýsköpun. Hversu nýstárleg ertu á sviðinu?

Ég fer kannski á tónleika með það í huga að ég ætli að syngja eitthvað, sérstaklega þennan dag, en það virkar ekki alltaf þannig. Í staðinn getur annað gerst. Sjáðu, það er mikil tónlist í höfðinu á þér þegar þú situr á tónleikasviðinu vegna stöðugrar hlustunar og lærdóms - frá vinsælum til klassískra - og allt í einu sprettur eitthvað upp í hausnum á þér. Þegar svona hlutir gerast finnst mér gaman að kanna það. Það er vissulega eitt sem ég fékk frá sérfræðingum mínum og öðrum listamönnum. Ef eitthvað kemur í hausinn á þér, kannaðu það. Ekki segja nei. Sjáðu hvað þú getur gert með því innan ramma uppbyggingar okkar svo að það verði ekki eitthvað annað. Carnatic tónleikar eru ekki kvikmyndatónleikatónleikar, heldur ekki samrunatónleikar, en innan ramma þess er enn möguleiki á sköpunargáfu. Þannig finnst mér gaman að nálgast það.

Þið höfðuð vitað að þið æfðuð stöðugt tímunum saman á fyrstu árum þínum. Nú þegar þú ert upptekinn við tónleika og ferðir, hvernig höndlarðu það?

Í nýlegri tónleikaferð minni um Bandaríkin spurðu margir krakkar mig hversu mikið maður ætti að æfa til að ná ákveðnu stigi. Svar mitt við því var að það er engin uppskrift. Það var aldrei uppskrift fyrir mig. Og það snýst örugglega um gæði fram yfir magn. Þú verður bara að halda áfram að vinna hörðum höndum og hafa sjálfstraustið á því að hlutirnir klikki einhvern daginn. Þegar ég bjó í Bandaríkjunum var æfingin miklu erfiðari með skóla, háskóla o.fl. Í háskólanum var jafnvel vandamál að finna staðsetningu því ég var að deila íbúð með þremur öðrum. En í þá daga hlustaði ég mikið á tónlist til að bæta það upp og þegar ég fór heim í hverjum mánuði æfði ég í 2-3 tíma á hverjum degi. Þegar ég flutti til Chennai voru ekki svo mörg mál og ég gat æft að minnsta kosti 2-3 tíma á morgnana og aðra 2-3 tíma seinnipartinn eða kvöldið reglulega. Ég fór líka á tónleika næstum hvern einasta dag, sama hver listamaðurinn var. Með öðrum orðum, ég fyllti allan tímann af tónlist á þeim tímapunkti. Margt af því var endurtekning.

Endurtekning er hvernig vísindi virka. Þú endurtekur, þú fullkomni, er það ekki?

Já, eitthvað sem nemendur í dag ættu að hafa í huga er að þeir ættu ekki bara að læra lag og fara síðan áfram í það næsta. Eitt sem var snemma borað í hausinn á mér var að þú þarft að syngja lag hundrað sinnum. Þetta vissu og gerðu bestu listamennirnir, sérstaklega fyrr á árum. Einhvers staðar í miðjunni gleymdist það með mörgum upprennandi tónlistarmönnum. Og ég viðurkenni að stundum er ég jafnvel fórnarlamb þessarar afstöðu: Ég held að ég hafi lært lag, ég hef sungið það nokkrum sinnum og nú vil ég syngja það á tónleikum eins fljótt og auðið er. Það kann að virka þennan dag og ég gæti verið öruggur, en þegar ég syng sama lagið eftir einn mánuð, tvo mánuði eða sex mánuði, þá væri útgáfa þess dags og fyrsta útgáfan kílómetra á milli. Þegar þú syngur lag í fyrsta skiptið ertu bara að lesa það, en þegar þú æfir það svo oft á tímabili getur það orðið lagið þitt. Þú ert ekki að lesa eitthvað sem er lagt á minnið lengur, það er hluti af þér. Ég sé það enn í dag. Endurtekning er eitt sem ég hef áttað mig á í gegnum árin sem svo mikilvægt. Ég syng varnams aftur og aftur. Mismunandi hraði, með mismunandi gamakam könnun, mismunandi hluti eins og það.

Nú með tónleikum og ferðaáætlunum hef ég ekki getað æft mig svona mikið, en ég reyni að leggja til hliðar að minnsta kosti einn eða tvo tíma á dag. Á ferðadögum verður æfingin eins og tónleikahald: hvað á að syngja og hvað á að forðast vegna þess að ég myndi ekki vilja endurtaka lögin og ragana sem ég hefði sungið á sama stað fyrr. Til dæmis, í þetta sinn þegar ég ætlaði á Chembai hátíðina í Guruvayoor, áttaði ég mig allt í einu á því að ég hef ekki sungið Rasavilasa (Swathi Thirunal lag í raga Kamboji) í mjög langan tíma. Svo í bíltúrnum frá Coimbatore flugvellinum til Guruvayoor var ég að hlusta á upptöku af henni og reyna að hressa upp á minni. Að lokum, ég endaði ekki á því að syngja það vegna þess að það var beðið um annað lag, en ég er ánægður með að það er aftur í minni og ég ætla að syngja það aftur fljótlega.

Vitað er að Carnatic tónlistarmenn nota mismunandi raddaðferðir til að fullkomna söng sinn, stundum jafnvel með aðstoð raddfræðinga. Áttu eitthvað?

Það sem ég hef áttað mig á er að tónlist okkar sjálf hefur svo margar innbyggðar æfingar. Jafnvel grunnatriðin eins og sarali-varisai og janta-varisai eru æfingar út af fyrir sig. Því miður hafa þau verið merkt sem upphafsstíll byrjandans til að læra varnam og þegar þú klárar það ferðu í swara jathis og geetham og hefur tilhneigingu til að líta ekki til baka. En þessir hlutir eru tímalausir. Þetta eru svo góðar æfingar sem hafa verið lagðar fyrir okkur. Það situr þarna í fyrstu geetham bókunum þínum. Ég syng stundum þá í mismunandi ragas og á mismunandi hraða, en viðhalda skýrleika. Það sjálft er svo mögnuð raddæfing. Þetta er orðið skemmtileg áskorun fyrir mig.

Sandeep Narayan kemur fram á tónleikum í Kapali hofi Chennai árið 2019.

Jafnvel Varnams eru svo góðar æfingar. Hraðinn fer hægt í hratt, lagið er oft frá mjög lágu í mjög hátt, og við erum að gera swaram, sahithyam osfrv allt í því. Svo, radduæfingarnar koma í raun með tónlistinni okkar. Við verðum bara að kanna og nýta þau rétt.

En ég hef líka rætt við þjálfaða sérfræðinga um tegundir upphitunar- og kælingaræfinga sem geta hjálpað til við að viðhalda rödd þinni. Okkur finnst yfirleitt ekki nauðsynlegt að kæla sig niður, en það er eins og hver annar vöðvi og önnur líkamsþjálfun í líkamsræktarstöð og á sama hátt þarf aga og æfingu í báðum.

Nú á dögum er mikil eftirspurn eftir fjölbreytni og þess vegna þarf listamaður stöðugt að stækka efnisskrá sína. Setur það pressu á þig?

Kannski fyrir áratugum síðan gæti maður sungið sömu lögin aftur og aftur í borg eftir borg og einnig pússað þau lög í leiðinni. Í dag, þó með tilkomu samfélagsmiðla og stafrænna kerfa, geturðu ekki gert þetta svo mikið. Ef ég syng lag eða raga á einum stað myndu allir í öðrum borgum fá að vita næstum strax. Ef ég endurtek það í annarri borg fljótlega, myndu þeir segja að ég væri að syngja sömu lögin alls staðar og segja að kannski veit ég ekki um annað! Þannig að það er nokkuð nauðsynlegt að syngja ný lög oftar. Ókosturinn er að ef þú ert stöðugt að syngja nýtt efni geturðu ekki farið dýpra í lögin sem þú vilt ná tökum á. Svo, það getur örugglega verið mikil pressa. Eins og ég nefndi áðan, þá ætti helst að syngja lag nokkrum sinnum áður en það er flutt opinberlega, sem getur einnig sett álag á röddina þegar stöðugt er reynt að uppfæra efnisskrána fyrir hverja tónleika.

Abhishek Raghuram viðtal: „Það er ekkert rétt og rangt í listinni. Fyrir mér snýst þetta um sjálfstjáningu ‘

Mín nálgun er að koma með ferskleika jafnvel í gömlum lögum, auk þess að syngja ný. Það er ekki bara fyrir áhorfendur, heldur líka fyrir sjálfan mig. Ef ég syng eitthvað í dag sem ég söng fyrir 20 árum síðan og ef það hljómar enn það sama, þá þýðir það að sem tónlistarmaður hef ég ekki þroskast. Þó listamenn hefðu líklega getað sloppið við að syngja lag oftar en í dag, þá hef ég líka tekið eftir því að mestu listamennirnir fundu ekki bara eitthvað sem virkaði og héldu áfram að gera það sama. Þess í stað héldu þeir að mestu áfram að þróast. Þú sérð slíka breytingu og þroska í tónlist þeirra í gegnum árin.

En fyrri meistarar höfðu ekki þessa pressu til að stækka efnisskrá sína

Ég veit ekki með vissu hvaða þrýsting fyrri meistarar höfðu eða höfðu ekki. En mig grunar að það gæti verið satt og þess vegna gátu þeir sungið nokkur af vörumerkjalögunum sínum sem urðu smellir þeirra sem við tengjum við þau. Við skulum ekki gleyma því að þeir kynntu ný lög og raga. Ég kynntist nokkrum Hindustani ragas eins og Durga og Gavathi í gegnum tónlist GN Balasubramaniam. Stundum gerðu þeir raga fræga og stundum gerði raga þá fræga. En það var kraftur í þessari nálgun. Lagið er kannski það sama, en þeir komu með svo nýjar hugmyndir til swara-söngsins, neraval osfrv. Eins og þú veist vísar fólk meira að segja til þeirra laga með upptökudögum sínum. Listamaður X söng ógleymanlegt lag Y árið Z. Hvers vegna gerir fólk það? Vegna þess að þó að lagið eða raga sé það sama, þá er flutningurinn ekki. Ef þér finnst að eftir fjóra tónleika hljóti listamaður það sama, þá getur verið að þú hafir ekki lengur áhuga á að hlusta á hann/hana. Árangursríkir listamenn fyrr og í dag hafa alltaf forðast að lenda í þeirri gildru. Þeir koma með eitthvað annað með hverri sýningu.

Sandeep Narayan kemur fram á tónleikum í Carnegie Mellon háskólanum í Pennsylvania árið 2013.

Margir fyrri meistarar sem fólk skurðgoðaði núna höfðu ekki hlotið viðurkenningu á sínum tíma. Fylgist þú með einhverju starfi þeirra?

Það voru nokkrir listamenn sem okkur finnst oft vera vanmetnir á sínum tíma miðað við raunverulega hæfni þeirra og framlag. Fólk talar alltaf um MD Ramanathan sem dæmi um það. Mér finnst að Thanjavur S Kalyanaraman hafi líka verið svona. Og þrátt fyrir að Madurai Somasundaram hafi náð töluverðum árangri á sínum tíma, þá virðist hann samt ekki fara í sögubækurnar á pari við nokkra jafnaldra sína á þeim tíma af hvaða ástæðu sem er. Árið 2019 fögnuðum við fæðingarafmæli hans, Somu 100, á mörgum stöðum, en áður en þetta heyrðist varla fjalla fólk um nafnið hans og tónlist hans undanfarin ár. Mér finnst það alveg skrýtið.

Er ekki skrýtið að fólk tali meira um Kalyanaraman núna?

Í dag er hann sértrúarhetja. Ég held að í grundvallaratriðum hafi hann verið á undan sinni samtíð. Reyndar heyri ég marga áhugaverða sögu um SKR frá lærisveinum hans, fjölskyldumeðlimum og vinum sem þekktu hann persónulega. Ein þeirra er hvernig hann rannsakaði mikið í röddartækni til að bæta eigin hæfileika. Vegna þessarar tækni gat hann viðhaldið nákvæmni í sruthi og laya. Reyndar var mér sagt að hann hafi setið einn á nóttunni þegar allt væri rólegt og stundað raddæfingar. Hann hafði einnig kannað dwi-madhyama panchama varjya ragas, eitthvað sem var hugtak sem enginn hafði í raun kannað mikið og var sérfræðingur í vivadhi ragas. Fólk horfir á verk hans með mikilli lotningu í dag. Eða að minnsta kosti, ég geri það vissulega.

Hvenær sem ég er spurður hver sé sá eini sem ég vildi að ég hefði getað hitt og eytt tíma með, þá er það alltaf sá sem mér dettur í hug.

Þar sem þú kemur frá öðru samfélagsmenningarlegu umhverfi og verður fyrir annars konar listum og tónlist í heiminum, hefur það áhrif á tónlist þína?

Ég hef alltaf hlustað á mikið vestrænt popp, rokk, R&B, Hip Hop o.fl. Enn þann dag í dag geri ég það. Lagalistarnir mínir á Spotify eru einhver blanda af bandarískum og breskum listamönnum sem og indverskum. Að hlusta á tónlist sem ekki er Carnatic er oft útgáfa eða léttir fyrir mig. Carnatic tónlist kemur mér alltaf í djúp fókus og hefur heilann stöðugt á. Eina leiðin fyrir mig til að slökkva á því eða hverfa frá því í hlé er að hlusta á aðra stíl. En ég veit ekki hversu mikið af því hefur haft áhrif á Carnatic tónlistina mína. Ég held að ég geti ekki komið með rapp eða hip hop í carnatic (hlær)!

En það gætu verið þættir í dægurtónlist eða öðru formi sem gætu auðgað eða bætt lit við klassíska tónlist þína

Ég myndi segja líklega að gömul kvikmyndalög hafa tilhneigingu til að lána Carnatic tónlist auðveldara, sérstaklega ef þau eru byggð á raga. Eða mismunandi taktmynstur frá öðrum stílum. Þau eru kannski ekki hefðbundin en við getum fært þau inn í tónlistina okkar miklu auðveldara. Venjulega svolítið frá Jazz því það eru margar hliðstæður. Ég held að rokktónlist láni Carnatic ekki of mikið, án þess að fara inn í samrunategundina.

Mér finnst Jazz vera vestrænn, eða öllu heldur bandarískur, ígildi Carnatic tónlistar. Báðir eru svipuð spunatónlist. Ég velti því oft fyrir mér hvers vegna fólk prófar ekki djassaðferðir í karnískri tónlist því það myndi gera tónleika litríkari jafnvel án þess að tapa klassík eða alvarleika

Já það er rétt hjá þér, Jazz er næst Carnatic. Vegna hins almenna hugtaks klassísks bera allir saman suður -indverska eða norður -indverska klassíska tónlist við vestræna klassíska sjálfgefið. En ef þú horfir á tæknileg atriði og tónleikakynningu, þá er jazz líkari Carnatic tónlist. Til dæmis, á meðan þeir hafa viðhöfð, höfum við línu úr lagi eða pallavi í raga-tanam-pallavi. Pallavi er það sama og að taka við eins og í Jazz og spuna aftur og aftur. Tanam er á sama tíma svipað og scatting. Við erum bara að taka nokkrar atkvæði sem hafa enga ljóðræna merkingu og blanda saman lag og takti.

Önnur hliðstæða er færnistigið sem þú þarft

Jafnvel hvað varðar þjálfun er hún mjög svipuð Carnatic tónlist. Hæfni þeirra eða þjálfun getur verið hvernig á að syngja, spila á píanó, saxófón eða trommur. Það er tæknileg þjálfun. Og þeir hlusta mikið. Jazzlistamenn eru stöðugt að spila eða hlusta á eitthvað. Þegar þeir hafa tileinkað sér tæknilega færni kemur sköpunargáfa þeirra inn eftir ákveðinn tíma því þeir eru líka að hlusta mikið. Þeir hafa tæknilega sérþekkingu til að gera hvað sem er í hausnum á þeim. Þessum skilaboðum frá heilanum til rödd þinnar eða fingra er sinnt vegna tæknilegrar færni þinnar. Það er það sama í Carnatic líka.

Kvikmynd úr MadRasana Gopala Gokula tónlistarmyndbandsupptöku.

En það er skrýtið að djasstónlistarmenn komu frá fátækum uppruna en Carnatic hefur annan félags-menningarlegan snið sem er stundum sakaður um að vera jafnvel einkaréttur

Sennilega hefur þetta eitthvað að gera með hvernig menningin þróaðist í samfélagi. Já, lýðfræðin er mjög andstæð, en þjálfunin, stíllinn og hvernig við fáum hugmyndir eru svo svipaðar. Eins og samsíða uppbygging. Frá næstum upphafi.

En í Carnatic, er þá ekki einhvers konar hersveit jafnvel í spuna vegna þess að henni er stjórnað af gömlu íhaldskerfi?

Jæja, ég myndi segja að það eru ennþá nokkrar reglur, jafnvel í djassi: þær hafa taktfastan hringrás í gangi og þó að þeir fylgi ekki raga eins og við gerum, þá hafa þeir ham eða mælikvarða. Það eru ákveðnar nótur sem koma í þessum ham, röð nótanna er kannski ekki mjög ströng og öðru hvoru munu þeir koma með erlenda seðil bara fyrir andstæðuna en þeir fara aftur. Þeir fylgja aðallega mælikvarða sínum, sem er svipað og við gerum. Já, það er samt rétt hjá þér. Í Carnatic tónlist finn ég að það eru sumir sem reyna að setja fullt af reglum.

Stundum hljómar jafnvel smá ófullkomleiki vel, er það ekki?

Ég trúi ekki á rétta og ranga nálgun. Það er meira eins og gott og slæmt. Og þetta er hægt að dæma út frá reynslu og þroska listamanns. Til dæmis er til auðkenni fyrir raga. Þú þarft ekki að heyra allar nótur kvarðans til að vita að þetta er Todi eða Sankarabharanam. Af einni setningu geturðu vitað hvaða raga það er. Hvernig þekkir þú raga þótt ég hafi ekki sungið allar nóturnar? Og hvaðan kemur þetta rétta og ranga? Tónlistarkynning ætti að snúast um fagurfræði og tenginguna sem hún skapar. Mér persónulega líkar ekki að setja slíkar reglur fyrir hvert lítið.

Fyrri söngvarar eins og Madurai Somu og nútímatónlistarmenn eins og Sanjay Subrahmanyan hafa marga óhefðbundna þætti í tónlist sinni sem gera þá að tegund sjálfum. Ertu ekki hvattur til að gera eitthvað svipað?

Þeir eru báðir örugglega mjög hvetjandi listamenn fyrir mig. En ég vil ekki meðvitað gera eitthvað óhefðbundið bara vegna þess að ég á mína eigin tegund. Kannski mun ég einhvern tímann líta til baka og sjá að ég gerði óhefðbundna hluti, en ég vildi að þetta væri allt eðlilegt og kæmi á réttum tíma af sjálfu sér. Kannski mun það leiða til annarrar tegundar, eins og þú segir. Oft finnst mér bara gaman að hlusta á eitthvað og meta fegurð þess, frekar en að kryfja það og ákveða hvort það sé hefðbundið eða hvort það sé komið inn í nýtt rými. Nýju rýmin myndast lífrænt eftir því sem ég stækka og tónlistin þroskast enn meira.

Hversu mikilvægt er tengsl þín við áhorfendur?

Það er gríðarlega mikilvægt fyrir mig. Ef ég syng í myrku sal mun ég biðja skipuleggjendur um að kveikja ljósin því ég vil ekki syngja við svartan vegg. Ég vil sjá fólkið, augu þeirra, viðbrögð þeirra, allt. Fyrir mig, ég næ þessu svo mikið. Ef mér finnst þeir ekki vera með mér eða þeir bregðast ekki jákvætt við breyti ég stefnu minni á staðnum. Það er samtal. Áhorfendur svara og koma aftur til mín á sinn hátt. Án áhorfenda, fyrir hvern erum við að syngja? Þau eru órjúfanlegur hluti af tónleikaupplifuninni. Þegar ég hef mjög móttækilega áhorfendur finnst mér ég geta sungið hvað sem er. Mér líður eins og ofurmenni þá daga. Ef ég fæ engin viðbrögð til baka gæti ég jafnvel byrjað að efast um sjálfan mig.

Notarðu tenginguna við áhorfendur sem aðferð til að fá viðbrögð þeirra?

Ég held að í fyrstu lögunum sjálfum finnist þú vasa í áhorfendum sem eru virkilega móttækilegir fyrir því sem þú ert að gera. Augu mín og einbeiting mun hafa tilhneigingu til að snúa aftur til þeirra náttúrulega. Ég geri það ekki meðvitað, en það gerist ósjálfrátt. Stundum lítur þú ósjálfrátt á þá í eina sekúndu til viðbótar til að staðfesta það sem þú ert að syngja líka, vegna þess að þeir hafa gefið mér þessi viðbrögð þegjandi fram að þeim tímapunkti.

Eru áhorfendur í Chennai móttækilegir?

Ó já, alveg. Þú ættir að muna að í Chennai verða áhorfendur fyrir svo mikilli tónlist, þannig að meðaltal rasika í Chennai er nokkuð menntað í Carnatic tónlist. Það er ástæða fyrir því að allir koma hingað hvaðanæva úr heiminum. Hvers vegna flutti ég frá LA til Chennai? Að skapa nafn hér er í raun áskorunin. Áhorfendur hér eru mjög greindir en munu veita þér heiðarleg viðbrögð.

Sandeep Narayan segir að maður geti sloppið við ákveðna hluti eins og brellur á mörkum sums staðar, en í Chennai verður maður að vera varkár því áhorfendur hafa séð þetta allt. (Express ljósmynd: Rajappane Raju)

Hversu örlátir eru þeir við að gefa endurgjöf?

Þú getur komist upp með ákveðna hluti eins og brellur á mörkum sums staðar, en í Chennai verður þú að vera varkár því áhorfendur hafa séð þetta allt. Ég get sagt að ég hef ferðast um heiminn og sungið fyrir alla áhorfendur, en Chennai mun svara mér er alveg sama hvert þú hefur farið, þú verður að syngja fyrir mig núna. (hlær)

Það er auðmýkjandi á margan hátt. Að fá jákvæð viðbrögð frá áhorfendum í Chennai þýðir mikið. Og þeir svara, þeir gefa því þar sem það á að koma. Ef þú reynir að gera eitthvað til að fá þakklæti þeirra munu þeir sjá í gegnum það. En ef þú og tónlistin þín eru ósvikin, munu þau svara. Þú gætir verið hissa þegar þeir meta eitthvað þegar þú bjóst ekki við því. Það getur verið raunveruleikapróf.

Það er fegurð Chennai-vistkerfisins vegna þess að það er það sem viðheldur þessari Carnatic hefð. Er það ekki?

Já. Vistkerfið snýst ekki bara um listamennina heldur einnig áhorfendur. Án þeirra getum við ekki ýtt tónlistinni okkar hærra eins mikið. Ég segi alltaf nemendum og listamönnum sem búa utan Chennai að koma hingað og sjá hvað fólk í þeirra aldurshópi eða jafnöldrum er að gera tónlistarlega.

Góð passa er að ná árangri í Chennai og víðar, ekki satt?

Það er hið fullkomna jafnvægi. Hér skerpirðu virkilega á færni þína. Á meðan mun sýning á öðrum stöðum kenna þér hvernig á að koma öðruvísi fram fyrir mismunandi áhorfendur. Hvort tveggja er nauðsynlegt til að vera farsæll flytjandi.

Gerir áskorun spuna þig viðkvæman á sviðinu?

Mér finnst að maður ætti að vera svolítið viðkvæmur á sviðinu. Mér finnst leiðinlegt ef listamanni finnst að það sem hann eða hún ætlar að kynna á sviðinu þurfi að vera fullkomið. Um leið og þú byrjar að gera það, ertu ekki að rannsaka og auka tónlistarsköpun þína eins mikið og þú ert fær um. Nú hefur þú meiri áhyggjur af viðskiptapakkanum. Þú ert að reyna að viðhalda vörumerki eða nafni sem þú hefur stofnað. Það verður að vera jafnvægi á milli staðalsins sem þú hefur sett á meðan þú ert enn að kanna sköpunargáfuna. Það þýðir að þú verður að vera viðkvæm að einhverju leyti fyrir framan áhorfendur.

Þegar ég stíg á sviðið er ákveðinn hluti af mér sem er traustur og segir: Allt í lagi, þetta er þægindaramminn minn. En ef ég ætla aðeins að gera það sem ég veit að er öruggt og þegar prófað, hvernig á ég þá að fara á næsta stig sem listamaður? Veikleikinn sem ég er að vísa til snýst um að opna sjálfan þig fyrir áhorfendum og segja, hæ ég er að reyna eitthvað og sjáum saman hvernig það fer. Það er líka hluti af samtalinu sem ég talaði um áðan.

Sandeep Narayan kemur fram á tónleikum í Kuthiramaligai, Thiruvananthapuram, árið 2015.

Á einum tónleikaferðalagi okkar í Bandaríkjunum var ég að reyna flókinn korvai sem ég hafði æft nægilega mikið, en það var ekki bara að virka meðan ég var á sviðinu. Það virkaði ekki einu sinni, tvisvar og í þriðja skiptið sem ég hélt að það myndi gerast, en það gerði það ekki. Á því augnabliki var eitthvað í heilanum að slökkva. Ef ég hefði fengið mínútu þögn til að hugsa og vinna úr því hefði ég getað höndlað það; en talamið var í gangi, áhorfendur fylgdust með og það var enginn tími til að hugsa. Að lokum kláraði ég með öðruvísi korvai. En þegar mridangam listamaðurinn byrjaði að spila einleik, spilaði hann korvai rétt. Ég tók strax þátt og söng það með honum. Þá tilkynnti ég áhorfendum að það væri það sem ég væri að reyna að syngja. Ég sagði líka að ef ég hefði ekki fengið það hefði ég ekki getað sofið um nóttina! (hlær)

Þessir gallar gera tónleika eftirminnilega, er það ekki?

Ég held það, en ég vil ekki að svona hlutir gerist oft. Ef eitthvað náttúrulega og lífrænt gerist þá er það í lagi. Eitthvað utan áætlunar gerðist og ég var gagnsæ. Ég held að það sé varnarleysið sem við ræddum um. Ég vil að tónleikarnir mínir séu eins ósviknir og mögulegt er.

Hvernig ætlar þú að halda tónleika?

Ég reyni ekki að endurtaka ragana og tónverkin sem ég hef sungið á þeim stað í seinni tíð, en þú getur ekki forðast endurtekningu stundum ef þú vilt hafa með þér ghana raga, þar sem það er aðeins takmarkaður fjöldi þeirra. Og venjulega, ef ég forðast þá á tónleikum, mun fólk náttúrulega spyrja hvers vegna það var enginn Bhairavi, Thodi eða Kamboji o.fl. Og þeir hafa líka rétt fyrir sér. Sennilega, til að forðast endurtekningu, mun ég syngja aðra tónverk, eða nota ghana raga í Pallavi einn daginn, og sem aðalatriði annan dag o.s.frv.

Annað er að fá margs konar tónskáld og talams. Og einnig margs konar ragas hvað varðar andstæður. Þú verður að taka hlustandann í ferðina með þér og þar af leiðandi gefurðu smá fjölbreytni.

Það fer líka eftir því hvar ég syng. Í Tamil Nadu syng ég eitt eða tvö tamílsk lög, í Karnataka, eitt eða tvö Kannada lög og í Kerala eitt eða tvö Swathi Thirunal lög. Blandið saman þekktum lögum og bætið við einu eða tveimur sjaldgæfum. Við verðum stöðugt að halda jafnvægi. Þannig nálgast ég tónleika. Breyti ég listanum eftir að ég hef stigið á svið? Já, alltaf. Eftir að hafa komist á staðinn og séð áhorfendur held ég stundum að áætlun mín muni ekki virka vel og því geri ég breytingar á leiknum!

Þegar fólk kemur til þín með beiðnir meðan á tónleikunum stendur truflar það þá fyrirkomulag þitt?

Ef ég fæ beiðni fyrir hendi er auðveldara að fella hana inn í tónleikaplanið mitt. Stundum eru þessar beiðnir einnig í samræmi við hugsun þína. Stundum gera þeir það ekki en mér er sama. Allavega reyni ég mitt besta til að uppfylla flestar beiðnir sem ég fæ á tónleikum. Enda er það okkar hlutverk að syngja það sem áhorfendur vilja.

Sumir söngvarar eru að bæta við nýjum tónsmíðum í efnisskrána sína til að samtíma tónleika sína? Segðu, til að prófa að bæta við nútímaljóði sem tónverki eða Pallavi.

Ég geri það sennilega ekki virkan vegna þess að það er svo margt þegar til staðar. Kannski er þetta eitthvað sem ég myndi gera meðvitað meðfram veginum þegar mér finnst tíminn vera réttur.

Hver er nálgun þín við könnun á ragas?

Það er venjulega beinagrind fyrir ragas sem heyrist oft og það er okkar hlutverk að fylla hana upp á skapandi hátt. Ghana ragurnar bjóða upp á mikið svigrúm í þeim efnum. Og í flestum ragas eru alltaf þekktir söngathis sem þú getur fallið aftur á ef ný leið sem þú ferð virkar ekki. Þegar ég syng þessar tuskur finnst mér ég vera viss um að kanna og gera tilraunir meira, en aftur til tímamóta og umbreytinga.

Svo eru ragar með litla sem enga umgjörð og sniðmát því þeir eru varla sungnir. Þetta er önnur öfga. Hér kemur frelsi þitt frá þeirri staðreynd að það er lítið um fyrri könnun. Þegar ég syng svona ragas gæti ég reynt að gera marga nýja hluti, því hver ætlar að koma og segja mér að ég hafi ekki sungið það almennilega? Það er engin hugmynd um hvað er rétt og samþykkt í þessu tilfelli.

hvernig lítur kýprustré út

Sandeep Narayan fær verðlaun í tónlistarakademíunni.

Hvernig tekst þér á við sjaldan sungna raga? Hvernig þróar þú þær með takmörkuðum tónverkum og tilvísunum?

Ég geri ráð fyrir því að þegar tónlistarþroski minn vex, þá spretta mismunandi hlutir í hausinn á mér. Til dæmis, í sjaldan heyrðum raga eins og Deepali, nema nokkrum sangathis og mælikvarða, hefur ekki mikið verið staðfest. Í slíkum tilfellum get ég gripið seðil og ákveðið að það sé áfangastaður minn. Venjulega mun enginn segja að það sé rangt. En þú tekur eldri og þekktan raga-líkan Devamanohari-og breytir lendingartónninum, það mun hljóma óþægilega vegna þess að það er þegar komið inn í huga hlustenda á ákveðinn hátt. Í slíkum tilvikum byrjar raga sjálfsmyndin að breytast í eitthvað annað.

En sum þessara sjaldgæfu raga eru Hindustani. Geturðu ekki notað Hindustani tilvísanir?

Þú getur, en þeirra gamakas eru mismunandi. Raga nálgunin er önnur. Þú getur líkja Hindustani að einhverju leyti- segðu að þú getir látið Pantuvarali hljóma eins og Basant eða Puriya Dhanashree. Sömu nóturnar, þegar þær eru sungnar í Hindustani stíl, munu hljóma öðruvísi.

Gerir þú það stundum?

Já ég geri það. Mér líkar það (hlær). Það er persónulegt val.

Þetta minnir mig á upptöku af Pallavi eftir TN Seshagopalan þar sem hann syngur samhliða setningar milli Carnatic Bhairavi og Sindhu Bhairavi (sem er eins og Hindustani Bhairavi). Þessir hlutir eru virkilega flottir fyrir mig, en þú verður að gæta þess að þú villist ekki inn á nóturnar sem eru algengar með öðrum tuskum. Það er ekki auðvelt hlutur.

Þú ert ansi svipmikill söngvari. Hvernig líkar þér við? Þarftu til dæmis að finna fyrir hollustu persónulega til að láta hollustu lag virka?

Ekki í þeim öllum, en í sumum geri ég það. Margir sinnum mun merking lagsins hjálpa þér að draga fram tilfinningarnar. Stundum er tilfinningin til staðar í raganum sjálfum. Stundum gæti það verið tenging við lagið eða tenging við tónskáldið. Til dæmis vitum við merkingu lagsins varugalaamo í Manji eftir Gopalakrishna Bharathi. Ég syng ekki þetta lag og hugsa um sjálfan mig sem þann sem þráir að sjá guðdóminn, en ég fæ tilfinningalega hugsun um tónskáldið sem hefur skrifað svo fallega og lýst slíkum aðstæðum.

Einhver raga sem þér finnst tilfinningalega tengd seint?

Undanfarið hef ég verið í sambandi við Thodi. Eðli tengsla minna við ragas er mismunandi fyrir hvern og einn og heldur áfram að breytast. Það kann að hljóma klisjukennt, en ég hef lært að það er ástæða fyrir því að svo margir listamenn fara sérstaklega aftur til þessa raga og hvers vegna það hefur það orðspor sem það gerir. Það eru bara sjö seðlar, en það er eitthvað svo mikið umfram það. Mér líður eins og ég sé að fara niður Thodi göng og læra meira og meira um raga þegar ég syng það, og þegar ég held að ég gæti verið úr göngunum, þá geri ég mér grein fyrir því að það er enn meira að gera með þessa frábæru raga og ég kafa ofan í mig enn dýpra.